정열과 저항의 땅, 라틴아메리카

12인의 라틴아메리카 여성미술가가 펼치는

드라마틱한 삶과 예술

유화열

이화여자대학교에서 도예를 전공하고 멕시코의 산카를로스 미술학교에서 조각을 공부했다. 조형작업의 즐거움에 사로잡혀 있는 동안 라틴아메리카 미술의 매력에 흠뻑 빠져들었으나, 글을 쓰게 되리라고는 상상도 하지 못했다. 프리다 칼로를 통해 한국에서 라틴아메리카 여성미술가에 대한 관심이 고조되었을 때, 곧 그녀의 라이벌이었던 마리아 이스키에르도가 등장할 것을 기대하며 혼자 들떠 있었다. 그러나 한참이 지나도 프리다 칼로만 유명할 뿐이었다. 라틴아메리카에 프리다 칼로만 있는 게 아니라는 걸 보여주기 위해 직접 글을 쓰기 시작했다. 멕시코시티와 서울에서 세 차례의 개인전 및 기획전, 그룹전을 열었다. 저서로는 『라틴현대미술 저항을 그리다』, 『태양의 나라 땅의 사람들: 정직한 페루미술을 찾아서』가 있다.

들어가며 - 프리다 칼로, 그녀 말고도 참 괜찮은 여성작가가 많다

PART 1. 몸의 기억

대지와 몸이 나누는 대화, 아나 멘디에타 -쿠바의 조각적 퍼포먼스 예술가

스승 브레더, 로맨틱한 예술 파트너 / 대지와 일체화하기 위한 몸 찍기 의식 / 피투성이 여성주의

위기를 미술로 치유하다, 리지아 클락 -브라질의 미술치유 예술가

첫 번째 예술궤도, 기하학적 추상 / 두 번째 예술궤도, 신구체 그룹과 설치조각 / 세 번째 예술궤도, 심리적 치유

신비로운 팝아트의 여신, 마리솔 에스코바르 -베네수엘라의 팝아티스트

팝아트와 민속미술 사이에서 / 팝아트가 아니다, 그것은 마리솔이다!

PART 2. 예술과 혁명

예술로 혁명을 꿈꾸다, 티나 모도티 -멕시코에서 활동한 이탈리아 출신의 사진가

스트레이트 사진에 입문하다 / 멕시코에서 혁명적 사진작가가 되고 싶다

폭로와 저항의 콜라주, 카탈리나 파라 -칠레의 현실참여적 콜라주 예술가

칠레의 인분체 신화와 영국 펑크록의 바느질 / 칠레 여성의 저항적 아플리케 운동

PART 3. 꿈과 현실이 교란된 초현실주의

부당함에 맞선 예술적 의지, 마리아 이스키에르도 -멕시코 여성의 현실을 그린 화가

여성, 땅바닥에 내팽개쳐지다 / 감옥에서 나가고 싶은 심정으로 그린 초현실주의

고통을 직시하는 눈, 프리다 칼로 -멕시코 여성주의의 아이콘

무표정한 얼굴로 노려보는 자화상 / 참기 어려운 고통, 봉헌화를 그려 푸닥거리하다

뮤즈이기를 거부한 초현실주의자, 레메디오스 바로 -멕시코를 사랑한 스페인 화가

여성은 뮤즈가 아니다, 창조자다 / 마법사와 과학자가 함께 사는 집

동양의 신화・몽환적 우아카, 틸사 추치아 - 동양계 페루의 초현실주의 화가

잉카의 우아카, 동양적 감성으로 다시 태어나다

PART 4. 수용의 미학, 카니발리즘

돌이킬 수 없는 색채의 드라마, 아니타 말파티 -브라질 최초의 여성 모더니스트

더 이상 <바보>를 그릴 수 없다

풍요로운 브라질의 영혼, 타르실라 두 아마랄 -식인주의 미술의 창시자

브라질나무와 입체주의 / 식인주의, 브라질 원주민과 초현실주의 사이에서

히비스커스 꽃으로 입체주의를 엮다, 아멜리아 펠라에스 -쿠바 모던아트의 선구자

쿠바의 크레올 모더니즘 / 히비스커스 꽃으로 엮어낸 입체주의

글을 맺으며 예술에서 위안받은 그녀들

미주 / 참고문헌

부록

12인의 여성미술가, 간략한 연대기 / 인물소개 / 용어설명 / 인명 색인 / 사항 색인

아나에게 있어서 자연풍경에 놓여 있는 여성의 몸은 별다른 고민 없이도 아이디어가 술술풀리는 주제였다. 그녀는 고대의 주술사들이 영혼의 힘을 불러일으키듯이 자신의 몸을 자연 안으로 불쑥 끼워 넣어 자연에 맡겨버렸다. 이때 나온 작업이 <대지-몸>이라고 불리는 작업으로 그녀의 몸이 대지 위에 누워 있기도 하고 때로는 물 위에 젖은 흙을 쌓아 몸의 실루엣을 만든 것이다. 아나는 자신과 대지의 관계에 대해 이렇게 말했다.

내 몸에 기반을 둔 작업은 풍경과 여성의 몸 사이에서 나눈 대화를 가져온 것이에요. 내 몸이 자궁(자연)에서 찍어져서 나왔다는 사실에 나 자신은 어찌할 바를 몰랐어요. 내가 하는 예술은 우주에 나를 합치려는 결속력에 의해 재배치된 것이라 할 수 있어요.

대지와 몸이 나누는 대화, 아나 멘디에타 (pp.21-22)

타르실라는 아니타와 함께 1922년 상파울루의 《현대예술주간》에 참여한 브라질의 아방가르드 예술가다. 아니타가 브라질에 모더니즘을 소개하면서 브라질과 유럽이라는 이질적인 문화를 한 구덩이에 심어놓은 선구자라면 타르실라는 유럽의 모더니즘을 브라질인의 고유한 표현방식으로 전환한 번역가라 할 수 있다. 흥미롭게도 그녀의 번역은 1920년대 파리의 아방가르드 미술과 브라질 모더니즘 지식인 사이에서 강하게 결속되어 브라질의 문화적 조망을 시각적으로 명쾌하게 제시한 것이 특징이다.

타르실라 회화에 대해 비평가 루시-스미스는 ‘모던양식의 민족적 표현을 브라질의 영감으로 가장 잘 표현한 브라질 화가’라고 극찬했다. 더욱이 브라질 현대미술의 거장인 에밀리아누 디 카발칸티, 라사르 세갈 같은 화가들은 타르실라가 1920년대 중반에 이뤄놓은 초석을 발판으로 브라질의 서민적이고 대중적인 화풍으로 발전시켰는데, 이것만 보더라도 타르실라는 후배들에게 아이디어를 제공한 아주 괜찮은 선배화가였다.

풍요로운 브라질의 영혼, 타르실라 두 아마랄 (p.231)

미술비평가 데미언 바욘은 아멜리아가 쿠바적인 소재를 위해 가져온 스테인드글라스에 대해

그녀는 콜로니알 미술의 조형적 노고를 찬미한 최초의 예술가라고 언급했다. 이에 미술비평가 줄리오 블랑은 그녀의 예술을 쿠바의 건축과 꽃에 국한시켜 평가하는 것은 적당치 않다고 지적했다. 말하자면 바욘은 아멜리아 회화에서 쿠바의 장식적 요소에 초점을 둔 비평가이고, 블랑은 추상적 원리에 의한 은유적인 재창조에 의미를 둔 비평가다. 어느 쪽의 말이 옳고 그른가라는 판단은 그녀 회화에서 그다지 유효하지 않은데, 그 이유는 그녀의 작품을 쿠바와 유럽의 모더니즘으로 구분하는 것 자체가 의미가 없기 때문이다. 그녀의 관심은 이 두 가지 관점을 아주 조용히, 소리 소문 없이 통합하는 것에 있었다. 이런 의미에서 그녀의 대표작으로 잘 알려진 <히비스커스 꽃Marpacifico>(1943)12-5을 비롯한 대다수의 정물화에는 검은색 테두리선으로 둘러져있다. 이는 쿠바의 전통을 유럽의 모더니즘과 연결하기 위해 그녀가 고안한 패턴체계로 쓰였다.

히비스커스 꽃으로 입체주의를 엮다, 아멜리아 펠라에스 (p.259)